有生之年一定要看的1001幅画

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有生之年一定要看的1001幅画

3500年人类绘画编年史

适合全家人的艺术博物馆

一本书将所有时代的绘画作品尽收眼底


有生之年一定要看的1001幅画



贡布里希的《艺术的故事》

让我们了解艺术的发展史

《有生之年一定要看的1001幅画》

则可视作它的“图本”

让我们能直接欣赏艺术作品。

有生之年一定要看的1001幅画

《祈祷的手》 丢勒 绘



与其说这本《有生之年一定要看的1001幅画》是建立在鉴赏能力上,不如说是建立在一开始就做出的正确决定上:


从尽可能广阔的地域和尽可能漫长的历史中收集1001幅画作(这里我要注明,我没有选入法国拉斯科等地的古代岩画,因为它们是描画,而不是传统意义上的“涂绘”)。


这本书的出发点是成为拜访者的随身手册与旅途伴侣,而不是安乐椅上的旅游指南。


有生之年一定要看的1001幅画

《舞蹈》马蒂斯 



有生之年一定要看的1001幅画,在作品选择时很难从毕加索的《格尔尼卡》中获得其他东西,杰克逊·波洛克的滴画作品,我将它们理解成一个观念,而不是清晰的图像绘画。我还曾思考梵高的向日葵,在让人难忘之外,它们必定有更多的内涵。


我们得出的共识是:能否尽善尽美地平衡绘画和观念两个部分,决定了一切绘画的品质。



有生之年一定要看的1001幅画

梵高《向日葵》



我们得出的共识是:能否尽善尽美地平衡这两个部分,决定了一切绘画的品质。



有生之年一定要看的1001幅画

300年人类绘画史

适合全家人的艺术博物馆



在决定一幅作品是否进入名单时,我会追问自己是否的确值得花一次旅行去专程拜访它。


总之,本书的宗旨是选出1001幅我们在有生之年一定要看的画作。


了解一幅画有多么好,不是听信别人的说法,而是亲自跑去看那幅画,花时间与画待在一起。这是迄今不变的道理。


即便并非每一幅画都能媲美画史上最顶尖作品的魔幻魅力——委拉斯开兹的《宫娥》、梵高的《有乌鸦的麦田》,或者任何维米尔后期的作品——我仍希望:


本书是一次丰富而充满惊奇的精品绘画巡览,而非加长版的奥斯卡提名名单或者我私人爱好的随意展览。


有生之年一定要看的1001幅画

《宫娥》 委拉斯开兹 绘



每一幅画之所以能够最终入选,或是由于重要,或是由于有趣,或是两者兼具。它们的有趣在于画的题材或者创作的方式;它们的重要在于与其他画作的关联。


一旦读者在这本书上花费一点儿时间,就会做出相当合理的判断:


拥有如此书名的它所收录的或许真的都是优秀的画作。如果读者有此想法,那么我希望,你能自然而然地开始思考,是什么共同的线索贯穿时代和地域,将优秀的作品串连起来。


以我个人感受中“伟大”和“优秀”画作的标准,迄今我都无法确定某些作品的地位,例如安德鲁·怀斯的画作《克莉斯汀娜的世界》。


有生之年一定要看的1001幅画

《克莉斯汀娜的世界》 安德鲁·怀斯 绘



它无疑是一幅让人异常难忘而又极受欢迎的图画。但于我而言,恰是因为该画跻身纽约现代艺术博物馆最受欢迎的画作之列,才成为本书不可或缺的一部分。


正文的要点是介绍画作与作画之人。


艺术家传记和画作的背景故事或许十分有趣,但它们既非画作的要点,也不是进入画作本身的唯一钥匙。梵高的画家生涯不过持续了十年,但期间他却完成了近900幅画,平均四天一幅。


我们的画作名单中,有些艺术家是谋杀犯、酒鬼、失意的银行家或讨债人,同样也不乏正派体面之士。他们通过勤勉的工作与想象力,奉献了人类文明中最了不起的一些画作。


敬请欣赏!



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300年人类绘画史

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有生之年一定要看的1001幅画

[英]  史蒂芬·法辛 主编

定价:268.00

中国画报出版社

出版时间:2019.1



《有生之年一定要看的1001幅画》是一部以时间线串起经典作品的“人类绘画编年史”,由英国皇家艺术研究院院士、画家史蒂芬·法辛担纲主编。83位艺术家、博物馆管理者、艺术评论家和艺术品收藏人组成的国际撰稿人团队对3500年人类绘画史上680余位画家的1001幅代表作进行了兼具专业性与知识性的品评,图文并茂地呈现了人类文明史上璀璨的艺术遗产。


英文版于2006年初次面世,历经2011年、2016年和2018年的三次修订,已被翻译成16种语言出版,累计销量超过50万册。本次中文版根据2018年的英文第4版翻译制作。



有生之年一定要看的1001幅画


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德尔克·波茨(约1415-1475)最初来自哈勒姆,1444年左右在鲁汶定居。1464年鲁汶圣伯多禄教堂圣礼兄弟会的四个成员委托波茨创作一幅祭坛作品。至今尚在的合同显示有两位神学家作为主题内容的顾问。“最后的晚餐”是尼德兰画板绘画中少见的主题。波茨把这个场景放在中央画板上——基督在一个弗莱芒室内空间宣布圣饼或面包是他身体的时刻。十二使徒僵硬地围坐在几乎占满了整块画板的方餐桌边。基督的形象是构图的中心。我们的视线从高处俯视这个宽阔的大厅。从窗户可以瞥见外面的城市,外面有花园,还有两个厨师从厨房往里面张望。波茨是空间后退技法的大师,在两侧画板上,这点体现得尤为明显。这个侧翼画板每块都描绘两个《旧约》中提到圣餐的隐晦场景。它们的主题是亚伯拉罕和麦基洗德的会面(《创世纪》第14章)——第一次由祭祀奉献面包和酒;收获吗哪(《出埃及记》第6章)——面包从天堂赐给饥饿的以色列人;沙漠中的以利亚——天使把面包和酒带给他(《列王纪》上第19章);逾越节(《出埃及记》第12章),犹太教的对应圣礼。这些场景中,波茨采用革新的方法,将人物沿对角线轴排列,把观赏者的目光引向了远方。



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列奥纳多·达·芬奇(1452-1519)是一个托斯卡纳公证人的私生子,据说也是世界上被讨论得最多的画家,学者和公众的迷惑实际上从他开始写作和绘画时就已经发生。当然他也是一个有瑕疵和局限的人。他出生在托斯卡纳芬奇城附近一个叫安琪诺的山丘小镇,在早年搬迁到佛罗伦萨成为安德烈·德尔·韦罗基奥的学徒,后者是当时著名的雕塑家。从这些早年的课程里列奥纳多获得了对三维空间的深刻理解,这个概念在他的整个职业生涯中给予了他很大的帮助——无论是对植物或者人体部分错综复杂的绘画还是素描,还是对机器、公共水利系统、数学几何和当地的地理学的研究。本画的标题在19世纪后才开始使用,他来自瓦萨里的早期记载,瓦萨里还提供了被画人的唯一身份证明。蒙娜·丽莎,又称丽莎·格拉迪尼,画中的她20多岁,已经嫁给了叫弗兰西斯科·乔宫多的丝绸商人,这位男子委托绘制这幅肖像画。至今,意大利人还称她为“La Gioconda”,法国人称她为“La Joconde”,字面上的意思都是欢乐的或者爱玩耍的人。在更近的历史里,此画的名声还可能来自一次失窃事件:1911年,一位意大利民族主义分子在一次抢劫中把它偷出了巴黎的卢浮宫。幸运的是,两年后它失而复得。



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在17世纪,多德雷赫特的市民自豪感十分高涨,这里是荷兰最早建立的城镇,也是首屈一指的城镇。该城建于一系列主要内陆水路的交汇处,包括了莱茵河、梅尔韦德河和马斯河,是理想的水路贸易地点。艺术家艾尔波特·盖依普(1620-1691)一生都居住在多德雷赫特,他的画作充满了对这座见证了画家发展和成功的城市的感情。这幅大型帆布油画以城市外东北角的视野描绘多德雷赫特,那里是几条水路的交汇处。作为盖依普的典型特色,水面是静止的,如同镜子一般宁静,明亮的水面反映出闪亮的船和建筑。这是个交通拥挤的地方,但是他把各种形状和大小的船描绘成安静地通过此地。中景有一个有趣的细节,画家添加了木筏,它们将原木从巴伐利亚运到多德雷赫特,供应城市欣欣向荣的造船业。这些木筏在画中很少被表现,亚当·维拉尔特(1577-1644)是他之外唯一这么做过的画家。盖依普的作品出现在国际市场的时间相对较晚,直到18世纪后期才受到收藏家的欢迎。然而当人们意识到他作品的价值,风景画的发展就受到了他的深远影响,尤其是透纳(1775-1851)、奥古斯都·沃·卡尔科特(1779-1844)和理查德·威尔逊(1713-1782)等人的作品。



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安吉利卡·考夫曼(1741-1807)和玛丽·莫瑟是1768年伦敦皇家艺术研究院36位创始成员中仅有的两位女性。考夫曼能够跻身一个男性主导的机构部分得益于她的艺术训练。此外,她还能创作历史画——这个类型需要艺术家兼具技法和知识,通常被视为男性驰骋创造力的保留地。阿里阿德涅的婚约不是考夫曼唯一处理的神话故事,这位艺术家也在画中再现过泽克西斯(普林尼在《自然史》中叙述了这位超一流画家的精彩事迹)、科尔内利亚和萨福。值得注意的是,考夫曼绘制其神话场景的时候,庞贝的湿壁画正重现天日。1748年3月23日庞贝古城在一次挖掘中被发现。考夫曼采用的是奥维德重述过的克里特国王米诺斯女儿的故事,和忒修斯一道杀死米诺陶诺斯后,她被抛弃在纳索斯岛上。这幅画中,阿里阿德涅采用了一个优雅但仍让人感动心碎的造型。这不像提香对阿里阿德涅的描绘,在那幅画里她处于一个激情强烈的时刻。考夫曼的人物虽然悲痛,但一方面有着充满感情的反应,另一方面又有一点节制和恬静。这种对阿里阿德涅的处理没有前列,艺术家能够完全以其敏感重述这个故事。



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这幕场景展现了蓬图瓦兹附近波夫海岸山丘上的农庄建筑。此画为卡米耶·毕沙罗(1830-1903)所绘,他经常被认为是法国印象派之父,他大部分的人生是在这个巴黎西北郊外的乡村地区度过的。在这里他绘制了很多风景画,塞尚经常陪伴他,两人之间相互产生了深远的影响。这幕迷人的乡村场景从艺术观点来看并不是简单得来的,毕沙罗选择通过遮挡的树林去瞥见房屋,这是一个困难的任务,但是这层树林让观众的眼睛快速掠过它,直接进入画面的中心去探索和分析各层颜色。艺术家通过很多短促的笔触建构了这幅画作,有时候是用浓厚的色块和丰富的色系。从远处观看,颜色共处得十分和谐,很多个人化的笔触消除不见,整个场景仿佛活起来一般。构图的中心是强烈的水平线,这要归功于屋顶和山丘的形状,而在图的右边,建筑处于图的一角,上面是山坡的陡坡。这赋予了画面运动感,让眼睛从笔触形成的图案中辨识出了形象。毕沙罗在创作这幅画的时期正重估自己的风格。他在一生中实验了很多种方法,不过在这幅作品中他很清楚地表明:他致力于让艺术成为眼前景象的近乎无意识的反应,让艺术记录自然的色彩与色调,这是印象派的中心主题。



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19世纪与20世纪之交是艺术百家争鸣、璀璨缤纷的时代。威廉·李斯特(1864-1918)等艺术家,受到印象派的影响,发起了新艺术运动,并为它的发展做出了贡献。李斯特在维也纳的美术学院做研究,之后去了慕尼黑与巴黎。他常被人与古斯塔夫·克里姆特相比,克里姆特是比他高两级的同学。1897年李斯特成为19名维也纳艺术家团体的一员——这个团体还包括了克里姆特、埃贡·席勒和卡尔·莫尔,他们最后形成了维也纳分离派,李斯特是第一位在分离派大楼内进行展览的艺术家。1898年到1903年他还参与《圣春》的评论,是1902年杂志目录(主题是向贝多芬致敬)的12位插图画家之一。1905年他和克里姆特一道离开了维也纳分离派。《木兰花》中,艺术家展示的湖、背景的树和前景的草地等精美的细节可能来自梵高的影响。然而木兰本身就已经是高度细节化了,看上去甚至能够把鲜花从树枝上摘下来。画面还有一种印象派的味道:如果在湖上添一些睡莲,这幅画就像极了莫奈的作品。紧紧框住的构图几乎是照片式的,反映了当时对早期照相术的痴狂。李斯特也是令人瞩目的肖像画家,他的典型特色是采用分色的技法,以及精美修长的笔触。不过他最知名的还是他的木刻与石版画雕刻。



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中国油画家、雕塑家、版画家岳敏君1962年出生在黑龙江的大庆,孩童时代搬去了北京,在那里生活和工作至今。画家最著名的是他描绘微笑的脸的作品,比如这幅《无题》,是笑脸人的经典图案。岳敏君在1989年中国的某次展览上看到耿建翌微笑的自画像,于是产生了创作自己标志性图像的灵感。同年,玩世现实主义诞生。中国青年艺术家开始了有波普艺术而来的一种写实主义风潮,他们在作品里以个人主义的观点来审视中国的社会。《无题》是玩世现实主义的典型,作品机智而刻薄,画家使用酸性色的调色板和平面的线条赋予它们原生态的锋芒。观众们看到这个只穿内裤,摆出胎儿姿势的男人,会奇怪这个主题人物是幸福的,还是在歇斯底里地发疯。画面中露出卡通式微笑的扭曲男人是在做一个他无法完成的身体锻炼,还是处于痛苦之中?岳敏君强迫观众去质问这个人物是否象征当时的中国正经历着一场痛苦的重生?人物张开的古怪嘴巴是一个黑色的空洞,暗示了精神的空虚。



《有生之年一定要看的1001幅画》将为你的艺术之旅导航。相信每一次审慎的回顾都会伴随美丽的再现,每一次随意的翻阅都是艺术修养的积累。


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